Film

Disc

Acest articol se referă la arta vizuală a imaginii în schimbare. Pentru alte sensuri, vedeți Film (dezambiguizare).

O călătorie pe Lună (1902) este considerată un punct de cotitură în dezvoltarea filmelor narative și de science fiction.

Un film, peliculă, sau imagine în mișcare este o operă de artă vizuală care simulează experiențe și comunică idei, povești, percepții, emoții sau atmosferă prin intermediul imaginilor în mișcare care, în general, începând cu anii 1930, sunt sincronizate cu sunetul și uneori folosesc și alți stimuli senzoriali.

Filmele sunt produse prin înregistrarea unor persoane și obiecte reale cu ajutorul aparatelor de fotografiat sau filmat, ori prin crearea lor cu tehnici de animație și efecte speciale. Ele sunt alcătuite dintr-o serie de cadre individuale, însă atunci când aceste imagini sunt proiectate rapid în succesiune, privitorului i se creează iluzia mișcării. Intermitența dintre cadre nu este percepută datorită unui efect cunoscut sub numele de persistența retiniană, prin care ochiul reține o imagine vizuală pentru o fracțiune de secundă după ce sursa a dispărut. De asemenea, este relevant și ceea ce provoacă percepția mișcării: un efect psihologic identificat drept mișcare beta.

Filmele sunt considerate de mulți o formă importantă de artă; ele distrează, educă, luminează și inspiră publicul. Elementele vizuale ale cinematografiei nu au nevoie de traducere, conferind filmului o putere universală de comunicare. Orice film poate deveni o atracție mondială, mai ales prin adăugarea de dublaj sau subtitrări care traduc dialogul. Filmele sunt, totodată, artefacte create de culturi specifice, care reflectă acele culturi și, la rândul lor, le influențează.

Istorie

Articole principale: Istoria tehnologiei filmului și Istoria filmului

Precursori

Articol principal: Precursorii filmului

Arta cinematografică s-a inspirat din mai multe tradiții anterioare, din domenii precum povestitul oral, literatură, teatru și arte vizuale. Forme de artă și divertisment care prezentau deja imagini în mișcare sau proiectate, precum umbromanie, camera obscura, teatrul de umbre și lanterna magică.

Anii 1830–1880: Înainte de celuloid

GIF animat al Prof. Stampfer's Stroboscopische Scheibe Nr. X (Trentsensky & Vieweg 1833)

Principiul animației stroboscopice a fost introdus în 1833 odată cu discul stroboscopic (mai bine cunoscut sub numele de fénakisticop) și aplicat ulterior în zoetrop (din 1866), în cartea cu foi animate (din 1868) și în praxinoscop (din 1877), înainte de a deveni principiul de bază al cinematografiei.

Experimente cu primele proiectoare de animație bazate pe fénakisticop au fost realizate cel puțin din 1843 și proiectate public în 1847. Jules Duboscq a introdus sistemele de proiecție cu fénakisticop în Franța în anii 1870.

Fotografia a fost introdusă în 1839, însă inițial emulsiile fotografice necesitau timpi de expunere atât de lungi, încât înregistrarea subiectelor în mișcare părea imposibilă. Cel puțin din 1844, au fost create serii fotografice cu subiecți pozați în diferite poziții, fie pentru a sugera o secvență de mișcare, fie pentru a documenta unghiuri de vedere diferite. Apariția fotografiei stereoscopice, cu primele experimente în anii 1840 și succesul comercial de la începutul anilor 1850, a stârnit interesul de a completa mediul fotografic prin adăugarea unor mijloace de captare a culorii și a mișcării. În 1849, Joseph Plateau a publicat despre ideea de a combina invenția sa, fénakisticopul, cu stereoscopul, la sugestia inventatorului stereoscopului Charles Wheatstone, și de a folosi fotografii ale unor sculpturi din ghips în diferite poziții pentru a fi animate în dispozitivul combinat. În 1852, Jules Duboscq a brevetat un astfel de instrument sub numele de „Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope", dar l-a comercializat doar foarte scurt timp, fără succes. Un disc Bïoscope cu fotografii stereoscopice ale unei mașinării se află în colecția Plateau a Universității din Ghent, dar nu au mai fost găsite alte instrumente sau discuri.

O animație a cardului retușat al casei Sallie Garner din seria The Horse in Motion (1878–1879) realizată de Muybridge

Spre sfârșitul anilor 1850, au apărut primele exemple de fotografie instantanee, care au oferit speranța că fotografia în mișcare va deveni curând posibilă, dar a mai durat câteva decenii până când aceasta a fost combinată cu succes cu o metodă de înregistrare a unor serii de imagini secvențiale în timp real. În 1878, Eadweard Muybridge a reușit în cele din urmă să fotografieze un cal în galop cu o baterie de camere aliniate de-a lungul pistei și a publicat rezultatele sub titlul The Horse in Motion pe cărți de cabinet. Muybridge, alături de Étienne-Jules Marey, Ottomar Anschütz și mulți alții, aveau să creeze numeroase alte studii de cronofotografie. Muybridge a trasat contururile a zeci de serii cronofotografice pe discuri de sticlă și le-a proiectat cu zoopraxiscopul său în prelegerile ținute între 1880 și 1895.

Un Anschütz electrotahiscop American Scientific, 16/11/1889, p. 303

Anschütz a realizat primele sale fotografii instantanee în 1881. A dezvoltat o cameră portabilă care permitea viteze ale obturatorului de până la 1/1000 dintr-o secundă în 1882. Calitatea imaginilor sale era considerată în general mult superioară lucrărilor de cronofotografie ale lui Muybridge și Étienne-Jules Marey. În 1886, Anschütz a dezvoltat Electrotahiscopul, un dispozitiv timpuriu care afișa scurte bucle de film cu 24 de fotografii pe plăci de sticlă montate pe o roată rotativă de 1,5 metri, acționată manual la o viteză de circa 30 de cadre pe secundă. Diferite versiuni au fost prezentate la numeroase expoziții internaționale, târguri, congrese și săli de jocuri mecanice din 1887 până cel puțin în 1894. Începând din 1891, aproximativ 152 de exemplare ale unui model de Electrotahiscop tip „peep-box" cu monedă au fost fabricate de Siemens & Halske la Berlin și vândute la nivel internațional. Aproape 34.000 de persoane au plătit pentru a-l vedea la Parcul Expozițional din Berlin în vara anului 1892. Alții l-au văzut la Londra sau la Expoziția Mondială din Chicago din 1893. Pe 25 noiembrie 1894, Anschütz a prezentat un proiector Electrotahiscop cu o proiecție pe ecran de 6x8 metri la Berlin. Între 22 februarie și 30 martie 1895, aproximativ 7.000 de spectatori plătitori au venit să vizioneze un spectacol de 1,5 ore cu circa 40 de scene într-o sală cu 300 de locuri din vechea clădire a Reichstagului din Berlin.

Pauvre Pierrot (1892) clip repictat

Émile Reynaud a menționat deja posibilitatea proiectării imaginilor Praxinoscopului în cererea sa de brevet din 1877. A prezentat un dispozitiv de proiecție cu praxinoscop la Société française de photographie pe 4 iunie 1880, dar nu și-a comercializat praxinoscopul de proiecție înainte de 1882. A dezvoltat apoi dispozitivul în Théâtre Optique, care putea proiecta secvențe mai lungi cu fundaluri separate, brevetat în 1888. A creat mai multe filme pentru aparat pictând imagini pe sute de plăci de gelatină montate în rame de carton și atașate la o bandă de pânză. Din 28 octombrie 1892 până în martie 1900, Reynaud a susținut peste 12.800 de spectacole pentru un total de peste 500.000 de vizitatori la Musée Grévin din Paris.

Anii 1880–1890: Primele filme

Roundhay Garden Scene, cel mai vechi film supraviețuitor din lume realizat cu o cameră de filmat, de Louis Le Prince, 1888

Un cadru din L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat, unul dintre primele filme difuzate în cinematografe, 1896

Spre sfârșitul anilor 1880, introducerea peliculelor fotografice din celuloid și inventarea camerelor de filmat, care puteau fotografia o succesiune rapidă de imagini folosind o singură lentilă, au permis captarea și stocarea acțiunii pe o singură rolă de film compactă.

Filmele au fost inițial prezentate publicului câte o persoană pe rând prin dispozitive de tip „peepshow", precum Electrotahiscopul, Kinetoscopul și Mutoscopul. Nu mult după aceea, expoziționiștii au reușit să proiecteze filme pe ecrane mari pentru publicul din săli de cinema.

Primele proiecții publice de filme cu taxă de intrare au avut loc în anul 1895, susținute de americanul Woodville Latham și fiii săi (folosind filme produse de compania lor Eidoloscope), de frații Skladanowsky și de frații francezi Auguste și Louis Lumière, cunoscuți mai ales pentru L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat (1896), cu zece dintre propriile lor producții. Proiecțiile private le-au precedat pe acestea cu câteva luni, cea a lui Latham fiind ușor anterioară celorlalte.

Anii 1910: Primele evoluții

Primele filme erau pur și simplu un singur cadru static care surprindea un eveniment sau o acțiune, fără montaj sau alte tehnici cinematografice. Filmele tipice arătau angajați ieșind pe poarta unei fabrici, oameni mergând pe stradă sau vederea din față a unui tramvai care parcurgea strada principală a unui oraș. Conform legendei, când un film înfățișa o locomotivă apropiindu-se cu viteză mare de public, spectatorii au intrat în panică și au fugit din sală. În jurul anului 1900, filmele au început să înlănțuiască mai multe scene pentru a spune o poveste. (Regizorii care au pus pentru prima oară mai multe cadre sau scene cap la cap au descoperit că, atunci când un cadru urmează altuia, acest lucru stabilește în mintea privitorului o relație între conținuturile celor două cadre separate. Tocmai această relație face posibilă orice narațiune cinematografică. Într-un exemplu simplu, dacă o persoană este arătată privind pe geam, indiferent ce va arăta cadrul următor, acesta va fi interpretat ca vederea pe care o privea persoana respectivă.) Fiecare scenă era un singur cadru static, cu acțiunea desfășurându-se în fața camerei. Scenele au fost ulterior împărțite în mai multe cadre fotografiate de la distanțe și unghiuri diferite.

Un fragment din filmul mut al lui Charlie Chaplin, The Bond (1918)

Alte tehnici, precum mișcarea camerei, au fost dezvoltate ca modalități eficiente de a povesti prin intermediul filmului. Până când filmul sonor a devenit viabil comercial la sfârșitul anilor 1920, cinematografia era o artă pur vizuală, dar aceste filme mute inovatoare câștigaseră deja imaginația publicului. Pentru a nu lăsa spectatorii doar cu zgomotul proiectorului ca acompaniament, proprietarii de cinematografe angajau un pianist sau un organist sau, în marile cinematografe urbane, o orchestră completă care cânta muzică potrivită cu atmosfera filmului în fiecare moment. La începutul anilor 1920, majoritatea filmelor veneau cu o listă pregătită de partituri muzicale care urmau să fie folosite în acest scop, iar coloane sonore complete erau compuse pentru producțiile importante.

Ascensiunea cinematografiei europene a fost întreruptă de izbucnirea Primului Război Mondial, în timp ce industria cinematografică din Statele Unite a înflorit odată cu ascensiunea Hollywood-ului, ilustrată cel mai bine de opera inovatoare a lui D. W. Griffith în Nașterea unei națiuni (1915) și Intoleranță (1916). Cu toate acestea, în anii 1920, cineaști europeni precum Eisenstein, F. W. Murnau și Fritz Lang, inspirați în mare măsură de progresul fulminant al cinematografiei în vremea războiului prin Griffith, alături de contribuțiile lui Charlie Chaplin, Buster Keaton și ale altora, au recuperat rapid decalajul față de producția cinematografică americană și au continuat să avanseze mediul.

Anii 1920–1960: Evoluția sunetului

În anii 1920, dezvoltarea tehnologiilor electronice de înregistrare și redare a sunetului a făcut practic posibilă incorporarea unei coloane sonore cu vorbire, muzică și efecte sonore sincronizate cu acțiunea de pe ecran. Filmele sonore rezultate au fost inițial diferențiate de obișnuitele „imagini în mișcare" sau „filme" mute, numindu-le „imagini vorbitoare" sau „talkies". Revoluția pe care au produs-o a fost rapidă. Până în 1930, filmul mut era practic dispărut în SUA și era deja numit „mediul de altădată".

Sunetul în cinematografie a început să fie acceptat odată cu filme precum The Jazz Singer (1927)

Evoluția sunetului în cinematografie a început cu ideea de a combina imaginile în mișcare cu tehnologia fonografului deja existentă. Primele sisteme de film sonor, precum Kinetoscopul lui Thomas Edison și sistemul Vitaphone utilizat de Warner Bros., au pus bazele sunetului sincronizat în film. Sistemul Vitaphone, produs în colaborare cu Bell Telephone Company și Western Electric, s-a lovit inițial de rezistență din cauza costurilor ridicate de echipare, dar sunetul în cinematografie a câștigat acceptare cu filme precum Don Juan (1926) și The Jazz Singer (1927).

Studiourile americane de film au adoptat sistemul Vitaphone, în timp ce Europa s-a standardizat pe sistemele Tobis-Klangfilm și Tri-Ergon. Această nouă tehnologie a permis o mai mare fluiditate în film, dând naștere unor producții mai complexe și mai epice, precum King Kong (1933).

Pe măsură ce amenințarea televiziunii a apărut în anii 1940 și 1950, industria cinematografică a trebuit să inoveze pentru a atrage publicul. Din punct de vedere al tehnologiei sonore, aceasta a însemnat dezvoltarea sunetului surround și a sistemelor audio mai sofisticate, cum ar fi sistemul cu șapte canale al Cinerama. Cu toate acestea, aceste progrese necesitau un număr mare de personal pentru a opera echipamentele și a menține experiența sonoră în cinematografe.

În 1966, Dolby Laboratories a introdus sistemul de reducere a zgomotului Dolby A, care a devenit un standard în industria înregistrărilor și a eliminat sunetul de șuierat asociat cu eforturile anterioare de standardizare. A urmat Dolby Stereo, un sistem surround revoluționar care le-a permis proiectanților de cinematografe să ia în considerare acustica atunci când proiectau sălile. Această inovație le-a permis spectatorilor din sălile mai mici să se bucure de experiențe audio comparabile cu cele din marile cinematografe urbane.

Astăzi, viitorul sunetului în film rămâne incert, cu posibile influențe din partea inteligenței artificiale, a remaster-elor audio și a experiențelor de vizionare personalizate care îi vor modela evoluția. Este însă clar că evoluția sunetului în cinematografie a fost marcată de inovație continuă și de dorința de a crea experiențe tot mai captivante și mai imersive pentru public.

Anii 1930: Evoluția culorii

Un progres tehnologic semnificativ în film a fost introducerea „culorii naturale", în care culoarea era captată direct din natură prin fotografie, spre deosebire de adăugarea manuală a culorii pe imprimările alb-negru prin tehnici precum colorarea manuală sau prin șablon. Primele procedee de culoare produceau adesea culori care păreau departe de „natural". Spre deosebire de tranziția rapidă de la filmele mute la filmele sonore, înlocuirea alb-negrului cu culoarea s-a produs mai treptat.

Inovația crucială a fost versiunea cu trei benzi a procesului Technicolor, folosită pentru prima oară în desene animate în 1932. Procesul a fost aplicat ulterior filmelor de scurt metraj cu actori reali, unor secvențe specifice din filme de lung metraj și, în cele din urmă, unui întreg film de lung metraj, Becky Sharp, în 1935. Deși procesul era costisitor, reacția pozitivă a publicului, evidențiată de creșterea încasărilor, justifica în general costul suplimentar. Prin urmare, numărul filmelor realizate în culori a crescut treptat de la an la an. Unul dintre primele filme de mare succes care a folosit culoarea a fost Vrăjitorul din Oz (1939).

Anii 1950: Influența crescândă a televiziunii

Noaptea morților vii (1968) a fost inclus pe lista celor mai influente filme de groază realizate vreodată.

La începutul anilor 1950, televiziunea alb-negru a început să fie criticată, mulți considerând că televiziunea nu reușea să atingă înaltele așteptări intelectuale și culturale care au însoțit introducerea sa. Într-o încercare de a atrage publicul înapoi în cinematografe, au fost instalate ecrane mai mari, au fost introduse procese ecran lat, proiecție 3D polarizată și sunet stereo, iar mai multe filme au fost realizate în culori, ceea ce a devenit curând regula și nu excepția. Unele filme importante de la Hollywood continuau să fie realizate în alb-negru până la mijlocul anilor 1960, dar marcau sfârșitul unei ere. Receptoarele de televiziune color fuseseră disponibile în SUA de la mijlocul anilor 1950, dar la început erau foarte scumpe și puține emisiuni erau în culoare.

Pe parcursul anilor 1960, prețurile au scăzut treptat, emisiunile color au devenit obișnuite, iar vânzările au explodat. Verdictul covârșitor al publicului în favoarea culorii era evident. După ce ultimul val de filme alb-negru fusese lansat la mijlocul deceniului, toate producțiile studiourilor de la Hollywood au fost filmate în culori, cu excepțiile obișnuite făcute doar la insistența unor cineaști „vedetă" precum Peter Bogdanovich, Martin Scorsese și Alfred Hitchcock cu filmul său Psycho (1960).

Anii 1960–prezent: Cinematografia modernă

Salah Zulfikar, unul dintre cei mai populari actori din epoca de aur a Cinematografiei Egiptene.

Deceniile care au urmat după declinul sistemului de studio în anii 1960 au adus schimbări în producția și stilul cinematografic. Diverse mișcări de Noul Val (inclusiv Noul Val Francez, mișcarea Noului Cinema German, Noul Val Indian, Noul Val Japonez, Noul Hollywood, și Noul Val Egyptian) și apariția cineaștilor independenți formați în școli de film au contribuit la transformările pe care mediul le-a cunoscut în a doua jumătate a secolului al XX-lea.

Tehnologia digitală a constituit motorul schimbării pe tot parcursul anilor 1990 și în anii 2000. Proiecția 3D digitală a înlocuit în mare măsură sistemele anterioare de film 3D, predispuse la probleme, devenind pe scurt populară la începutul anilor 2010 cu filme precum Avatar (2009). Sistemele de cinematografe cu ecran mare folosind peliculă de 35 mm și 70 mm au fost dezvoltate la sfârșitul anilor 2010, de companii precum corporația IMAX.

Teoria filmului

Această cameră 16 mm cu arc Bolex „H16" Reflex este o cameră de intrare populară folosită în școlile de film.

„Teoria filmului" urmărește să dezvolte concepte concise și sistematice aplicabile studiului filmului ca artă. Conceptul filmului ca formă de artă a apărut în 1911 prin manifestul lui Ricciotto Canudo Nașterea celei de-a șasea arte. Școala de Film din Moscova, cea mai veche școală de film din lume, a fost fondată în 1919 pentru a preda și cerceta teoria filmului. Teoria formalistă a filmului, condusă de Rudolf Arnheim, Béla Balázs și Siegfried Kracauer, sublinia modul în care filmul diferă de realitate și putea fi astfel considerat o artă plastică validă. André Bazin a reacționat împotriva acestei teorii, argumentând că esența artistică a filmului rezidă în capacitatea sa de a reproduce mecanic realitatea, nu în diferențele față de realitate, ceea ce a dat naștere teoriei realiste. Analize mai recente, stimulate de psihanaliza lui Jacques Lacan și semiologia lui Ferdinand de Saussure, printre altele, au dat naștere teoriei psihanalitice a filmului, teoriei structuraliste, teoriei feministe și altora. Pe de altă parte, criticii din tradiția filozofiei analitice, influențați de Wittgenstein, încearcă să clarifice concepțiile greșite din studiile teoretice și să producă analize ale vocabularului unui film și legătura acestuia cu o formă de viață.

Limbajul filmului

Filmul este considerat că are propriul limbaj. James Monaco a scris un text clasic de teoria filmului, intitulat „Cum să citești un film", care abordează această temă. Regizorul Ingmar Bergman a spus memorabil: „Andrei Tarkovski este pentru mine cel mai mare regizor, cel care a inventat un nou limbaj, fidel naturii filmului, deoarece surprinde viața ca o reflecție, viața ca un vis." Un exemplu de limbaj cinematic este o secvență de imagini alternante cu profilul stâng al unui actor care vorbește, urmată de profilul drept al altui actor care vorbește, repetată, ceea ce constituie un limbaj înțeles de public ca indicând o conversație. Aceasta descrie o altă teorie a filmului, regula celor 180 de grade, ca dispozitiv de povestire vizuală cu capacitatea de a plasa privitorul într-un context de prezență psihologică prin utilizarea compoziției vizuale și a montajului. „Stilul Hollywood" include această teorie narativă, datorită practicării copleșitoare a regulii de către studiourile de film din Hollywood, California, în era clasică a filmului. Un alt exemplu de limbaj cinematic este un cadru care face zoom pe fruntea unui actor cu o expresie de reflecție tăcută, urmat de un cadru cu un actor mai tânăr care seamănă vag cu primul, indicând că prima persoană își amintește de un sine din trecut — un montaj de compoziții care provoacă o tranziție temporală.

Montaj

Articol principal: Montaj (film)

Montajul este o tehnică de editare cinematografică prin care bucăți separate de film sunt selectate, editate și asamblate pentru a crea o nouă secțiune sau secvență în cadrul unui film. Această tehnică poate fi folosită pentru a transmite o narațiune sau pentru a crea un efect emoțional sau intelectual prin juxtapunerea diferitelor cadre, adesea cu scopul de a comprima timpul, spațiul sau informațiile. Montajul poate implica flash-back-uri, acțiune paralelă sau interacțiunea diverselor elemente vizuale pentru a îmbunătăți povestirea sau a crea sens simbolic.

Conceptul de montaj a apărut în anii 1920, cu cineaști sovietici de pionierat precum Serghei Eisenstein și Lev Kuleshov dezvoltând teoria montajului. Filmul lui Eisenstein Cuirasatul Potemkin (1925) este un exemplu primar al utilizării inovatoare a montajului, în care a folosit juxtapuneri complexe de imagini pentru a crea un impact visceral asupra publicului.

Pe măsură ce arta montajului a evoluat, cineaștii au început să incorporeze contrapunct muzical și vizual pentru a crea o experiență mai dinamică și mai captivantă pentru privitor. Dezvoltarea construcției de scene prin mise-en-scène, editare și efecte speciale a dus la tehnici mai sofisticate, comparabile cu cele utilizate în operă și balet.

Mișcarea Noul Val Francez de la sfârșitul anilor 1950 și din anii 1960 a îmbrățișat și ea tehnica montajului, cu cineaști precum Jean-Luc Godard și François Truffaut care au folosit montajul pentru a crea filme distinctive și inovatoare. Această abordare continuă să fie influentă în cinematografia contemporană, regizorii folosind montajul pentru a crea secvențe memorabile în filmele lor.

În cinematografia contemporană, montajul continuă să joace un rol esențial în modelarea narațiunilor și crearea rezonanței emoționale. Cineaștii au adaptat tehnica tradițională de montaj pentru a se potrivi esteticii în continuă evoluție și stilurilor de povestire ale cinematografiei moderne.

1. Editare rapidă și montaje cu ritm alert: Odată cu apariția instrumentelor de editare digitală, cineaștii pot crea acum montaje rapide și complexe pentru a transmite informații sau emoții rapid. Filme precum Requiem for a Dream (2000) al lui Darren Aronofsky și Shaun of the Dead (2004) al lui Edgar Wright utilizează tehnici de editare cu ritm rapid pentru a crea experiențe imersive și intense pentru public.
2. Influența videoclipurilor muzicale: Influența videoclipurilor muzicale asupra filmului a condus la incorporarea unor secvențe de montaj stilizate, adesea însoțite de muzică populară. Filme precum Gardienii Galaxiei (2014) și Baby Driver (2017) folosesc montajul pentru a crea secvențe vizual izbitoare, care sunt atât distractive, cât și funcționale din punct de vedere narativ.
3. Montaje sportive și de antrenament: Montajul sportiv și de antrenament a devenit un element fundamental în cinematografia modernă, folosit adesea pentru a comprima timpul și a arăta evoluția sau dezvoltarea unui personaj. Exemple în acest sens se găsesc în filme precum Rocky (1976), The Karate Kid (1984) și Million Dollar Baby (2004).
4. Cross-cutting și acțiunea paralelă: Cineaștii contemporani folosesc adesea montajul pentru a crea tensiune și suspans prin tăieri încrucișate între fire narative paralele. Inception (2010) și Dunkirk (2017) ale lui Christopher Nolan utilizează tehnici complexe de tăiere încrucișată pentru a construi impulsul narativ și a intensifica angajamentul emoțional al publicului.
5. Montajul tematic: Montajul poate fi folosit și pentru a transmite elemente tematice sau laitmotive într-un film. The Royal Tenenbaums (2001) al lui Wes Anderson folosește montajul pentru a crea un limbaj vizual care reflectă temele filmului legate de familie, nostalgie și pierdere.

Pe măsură ce mediul cinematografic continuă să evolueze, montajul rămâne un aspect integral al povestirii vizuale, cineaștii găsind mereu modalități noi și inovatoare de a folosi această tehnică puternică.

Critica de film

Articol principal: Critica de film

Criticul din Chicago Roger Ebert (dreapta) alături de regizorul Russ Meyer

Critica de film reprezintă analiza și evaluarea filmelor. În general, aceste lucrări pot fi împărțite în două categorii: critica academică realizată de cercetători din domeniul filmului și critica jurnalistică de film, care apare periodic în ziare și alte medii. Criticii de film care lucrează pentru ziare, reviste și mass-media de tip broadcast recenzează în principal noile lansări. De obicei, ei văd un film o singură dată și au la dispoziție una sau două zile pentru a-și formula opiniile. Cu toate acestea, criticii au un impact important asupra reacției publicului și a prezenței la filme, în special la cele din anumite genuri. Filmele de acțiune, groază și comedie distribuite pe piața de masă nu sunt în general foarte mult influențate de aprecierea globală a unui critic. Rezumatul intrigii și descrierea unui film, alături de evaluarea muncii regizorului și a scenariștilor, care alcătuiesc cea mai mare parte a majorității recenziilor, pot totuși exercita o influență importantă asupra deciziei oamenilor de a vedea sau nu un film. Pentru filmele de prestigiu, cum ar fi cele mai multe drame și filme de artă, influența recenziilor este semnificativă. Recenziile negative din partea criticilor de frunte de la marile ziare și reviste reduc adesea interesul publicului și prezența la cinematografe.

Dacă un film poate ilumina viețile altor oameni care împart această planetă cu noi și ne poate arăta nu numai cât de diferiți sunt, ci și cum, cu toate acestea, împărtășesc aceleași vise și dureri, atunci merită să fie numit mare.

— Roger Ebert (1986)

Impactul unui recenzent asupra performanței de box office a unui film dat este o chestiune dezbătută. Unii observatori susțin că marketingul cinematografic din anii 2000 este atât de intens, bine coordonat și bine finanțat, încât recenzenții nu pot împiedica un blockbuster slab scris sau filmat să obțină succes comercial. Totuși, eșecul catastrofal al unor filme intens promovate, recenzate dur, precum și succesul neașteptat al unor filme independente lăudate de critici, indică faptul că reacțiile critice extreme pot exercita o influență considerabilă. Alți observatori remarcă faptul că recenziile pozitive au demonstrat că pot stârni interesul pentru filme puțin cunoscute. Pe de altă parte, au existat mai multe filme în care companiile cinematografice au atât de puțină încredere, încât refuză să le ofere recenzenților o vizionare anticipată pentru a evita condamnarea lor pe scară largă. Aceasta dă de obicei rezultate inverse, deoarece recenzenții sunt familiarizați cu tactica și avertizează publicul că filmul s-ar putea să nu merite văzut, iar filmele eșuează adesea din această cauză. Criticii de film jurnaliști sunt uneori numiți recenzenți de film. Criticii care adoptă o abordare mai academică față de filme, publicând în reviste de specialitate și scriind cărți despre filme folosind abordări de teoria filmului sau studii cinematografice, studiază modul în care filmul și tehnicile cinematografice funcționează și ce efect au asupra oamenilor. În loc să le fie publicate recenziile în ziare sau să apară la televiziune, articolele lor sunt publicate în reviste academice sau în reviste de prestigiu. De asemenea, aceștia tind să fie afiliați colegiilor sau universităților în calitate de profesori sau instructori.

Industrie

Articol principal: Industria cinematografică

Fondat în 1912, Studiourile Babelsberg de lângă Berlin au fost primul studio cinematografic de mari dimensiuni din lume și precursorul Hollywood-ului. Continuă să producă blockbustere globale în fiecare an.

Fondat în 1935, Studio Misr de lângă Complexul piramidelor de la Giza, a fost primul studio cinematografic de mari dimensiuni din Africa și din Orientul Mijlociu.

Realizarea și proiecția filmelor a devenit o sursă de profit aproape imediat după ce procesul a fost inventat. Văzând cât de reușită era noua lor invenție, și produsul ei, în Franța natală, frații Lumière s-au grăbit să parcurgă Continentul pentru a prezenta primele filme în particular regalității și în public maselor. În fiecare țară, adăugau de obicei scene locale noi în catalogul lor și găseau destul de repede antreprenori locali în diversele țări ale Europei care să le cumpere echipamentul și să fotografieze, exporte, importe și proiecteze comercial produse suplimentare. Spectacolul Patimilor de la Oberammergau din 1898 a fost primul film comercial produs vreodată. Au urmat curând alte producții, iar filmele au devenit o industrie separată care a eclipsat lumea spectacolului de varietăți. S-au format cinematografe și companii dedicate special producției și distribuției de filme, în timp ce actorii de film au devenit vedete majore și obțineau onorarii uriașe pentru prestațiile lor. Până în 1917, Charlie Chaplin avea un contract care prevedea un salariu anual de un milion de dolari. Din 1931 până în 1956, filmul a fost și singurul sistem de stocare și redare a imaginilor pentru programele de televiziune, până la introducerea videorecorderelor.

În Statele Unite, cea mai mare parte a industriei cinematografice este concentrată în jurul Hollywood-ului, California. Alte centre regionale există în multe părți ale lumii, cum ar fi Bollywood, centrat în Mumbai, industria cinematografică indiană — cinematografia Hindi care produce cel mai mare număr de filme din lume. Deși costurile implicate în realizarea filmelor au condus la concentrarea producției cinematografice sub egida studiourilor de film, progresele recente în domeniul echipamentelor de filmare accesibile au permis producțiilor de film independente să înflorească.

Profitul este o forță cheie în industrie, dată fiind natura costisitoare și riscantă a realizării filmelor; multe filme înregistrează depășiri mari de buget, un exemplu fiind Waterworld al lui Kevin Costner. Cu toate acestea, mulți cineaști se străduiesc să creeze opere de durabilă semnificație socială. Premiile Academiei (cunoscute și sub numele de „Oscaruri") sunt cele mai importante premii cinematografice din Statele Unite, oferind anual recunoaștere filmelor pe baza meritelor lor artistice. Există, de asemenea, o industrie consistentă pentru filmele educaționale și de instruire, realizate în locul sau în completarea prelegerilor și textelor. Veniturile din industrie sunt uneori volatile din cauza dependenței de filmele de succes lansate în cinematografe. Ascensiunea divertismentului alternativ la domiciliu a ridicat semne de întrebare cu privire la viitorul industriei cinematografice, iar angajarea în Hollywood a devenit mai puțin sigură, în special pentru filmele cu bugete medii și mici.

Domenii asociate

Pentru informații suplimentare, vezi Teoria filmului, Plasament de produs și Propagandă

Domeniile academice derivate pot interacționa cu realizarea filmelor și se pot dezvolta independent de aceasta, ca în cazul teoriei filmului și al analizei. Au fost create domenii de studiu academic care sunt derivate sau dependente de existența filmului, cum ar fi critica de film, istoria filmului, compartimentele de propagandă cinematografică din guvernele autoritare sau efectele psihologice subliminale (de exemplu, ale unei cutii de suc care apare în clipă pe ecran în timpul unei proiecții). Aceste domenii pot genera la rândul lor domenii derivate, cum ar fi o rubrică de recenzii de film dintr-un ziar sau un ghid TV. Subindustrii se pot desprinde din film, cum ar fi producătorii de popcorn și jucăriile legate de film (de exemplu, figurinele din Star Wars). Subindustriile unor industrii preexistente se pot ocupa specific de film, cum ar fi plasamentul de produs și alte forme de publicitate din filme.

Terminologie

Terminologia utilizată pentru descrierea filmelor variază considerabil între engleză britanică și americană. În uzul britanic, denumirea mediului este film. Cuvântul movie este înțeles, dar rar folosit. În plus, expresia the pictures (pluralul) este folosită oarecum frecvent pentru a se referi la locul unde sunt proiectate filmele; în engleza americană, aceasta poate fi numită the movies, dar termenul devine desuet. În alte țări, locul unde sunt proiectate filmele poate fi numit cinema sau cinematograf.

Prin contrast, în Statele Unite, movie este termenul predominant pentru mediu. Deși cuvintele film și movie sunt uneori folosite interschimbabil, film este mai frecvent utilizat când se iau în considerare aspectele artistice, teoretice sau tehnice ale unei opere. Termenul movie se referă mai des la aspectele de divertisment sau comerciale ale unei opere.

Se folosesc și alte terminologii pentru a distinge diferite forme și suporturi utilizate în industria cinematografică. Motion pictures și moving pictures sunt termeni frecvent folosiți pentru filme și producții cinematografice destinate în special exibițiilor în cinematografe, cum ar fi Star Wars. DVD, Blu-ray Disc și casetă video sunt formate video care pot reproduce un film fotochimie. O reproducere pe un astfel de suport se numește transfer. După apariția filmului de cinema ca industrie, industria de televiziune a început să folosească caseta video ca mediu de înregistrare. Timp de multe decenii, caseta a fost exclusiv un mediu analogic pe care imaginile în mișcare puteau fi fie înregistrate, fie transferate. Film și filmare se referă la mediul fotochimie care înregistrează chimic o imagine vizuală și, respectiv, la actul de înregistrare. Cu toate acestea, actul de a fotografia imagini cu alte medii vizuale, cum ar fi o cameră digitală, este în continuare numit filmare, iar lucrările rezultate sunt adesea numite filme — interschimbabil cu movies — chiar dacă nu au fost fotografiate pe peliculă. Filmele mute nu trebuie să fie complet silențioase, ci sunt filme fără dialog audibil, inclusiv cele cu acompaniament muzical. Cuvântul talkies se referă la primele filme sonore create pentru a avea dialog audibil înregistrat pentru redare împreună cu filmul, indiferent de un acompaniament muzical. Cinema fie cuprinde în sens larg atât filmele, cât și producțiile cinematografice, fie este aproximativ sinonim cu film și proiecție în cinematografe, ambele scriere cu majusculă când se referă la o categorie de artă. Ecranul de argint se referă la ecranul de proiecție folosit pentru a prezenta filme și, prin extensie, este folosit ca metonimie pentru întreaga industrie cinematografică.

Ecran lat se referă la un raport mai mare între lățime și înălțime în cadrul filmului, față de raporturile de aspect istorice anterioare. Un film de lung metraj, sau lung metraj, are o durată convențională, de obicei 60 de minute sau mai mult, și poate susține comercial o proiecție cu bilet fără alte filme alături. Un scurt metraj este un film mai scurt decât un lung metraj, proiectat adesea alături de alte scurte metraje sau înaintea unui lung metraj. Un film independent este un film realizat în afara industriei cinematografice convenționale.

În uzul american, se vorbește despre o proiecție a unui film sau video pe un ecran la un theater public sau privat. În engleza britanică, o vizionare de film are loc la un cinema (niciodată un theatre, care este un mediu și un loc diferit). Cinema se referă de obicei la o sală concepută special pentru proiecția filmelor, unde ecranul este fixat pe un perete, în timp ce theatre se referă de obicei la un loc unde au loc spectacole live, neînregistrate sau o combinație a acestora, dintr-o scenă sau un alt tip de podium, inclusiv amfiteatrele. Teatrele pot totuși proiecta filme, deși ar trebui adaptate în acest scop. S-ar putea propune mergem la cinema când ne referim la activitate, sau uneori la poze în engleza britanică, în timp ce expresia americană este de obicei mergem la movies. Un cinematograf prezintă de obicei un film distribuit pe piața de masă folosind un ecran de proiecție frontală cu fie un proiector de film, fie, mai recent, cu un proiector digital. Dar cinematografele pot proiecta și filme din transferurile lor pe suport video casnic, care includ Blu-ray Disc, DVD și casetă video, atunci când au calitate de proiecție suficientă sau din necesitate, cum ar fi filmele care există doar în forma transferată, din cauza pierderii sau deteriorării copiei originale de pe care filmul a existat inițial. Datorită apariției producției și distribuției cinematografice digitale, pelicula fizică ar putea lipsi cu totul.

Un dublu program este proiecția a două filme de lung metraj comercializate independent, fiecare de sine stătătoare. O vizionare înseamnă urmărirea unui film. Vânzările și la box office se referă la biletele vândute la un cinematograf sau, mai recent, la drepturile vândute pentru proiecții individuale. O lansare reprezintă distribuția și adesea proiecția simultană a unui film. O avanpremieră este o proiecție înainte de lansarea principală.

Orice film poate avea și o continuare, care înfățișează evenimente care au loc după cele din film. Mireasa lui Frankenstein este un exemplu timpuriu. Când există mai mult de un film cu aceleași personaje, arce narative sau teme, aceste filme formează o serie, cum ar fi seria James Bond. Existența în afara unui cronologiei specifice nu exclude de obicei un film din a face parte dintr-o serie. Un film care înfățișează evenimente care au loc mai devreme în cronologie față de altul, dar care este lansat după acel film, este uneori numit prequel, un exemplu fiind Butch and Sundance: The Early Days.

Genericul, sau genericul de final, este o listă care aduce un omagiu persoanelor implicate în producția unui film. Filmele de dinainte de anii 1970 porneau de obicei cu un generic la început, terminând adesea cu un singur carton care spunea „Sfârșit" sau un echivalent, adesea echivalentul depinzând de limba producției. De atunci înainte, genericul unui film apare de obicei la sfârșitul majorității filmelor. Cu toate acestea, filmele cu generic la final repetă adesea unele credite la sau lângă începutul filmului, apărând astfel de două ori, cum ar fi rolurile principale, în timp ce mai rar unele care apar la sau lângă început apar doar acolo, nu și la final, ceea ce se întâmplă adesea cu creditul regizorului. Creditele care apar la sau lângă începutul unui film sunt de obicei numite titluri sau titluri de început. O scenă post-generic este o scenă prezentată după terminarea genericului. Ferris Bueller's Day Off are o scenă post-generic în care Ferris îi spune publicului că filmul s-a terminat și că ar trebui să meargă acasă.

Distribuția unui film se referă la colecția de actori și actrițe care apar, sau joacă, în film. O vedetă este un actor sau o actriță, adesea popular(ă), și în multe cazuri o celebritate care interpretează un personaj central într-un film. Ocazional, cuvântul poate fi folosit și pentru a se referi la faima altor membri ai echipei, cum ar fi un regizor sau altă personalitate, cum ar fi Martin Scorsese. O echipă tehnică este de obicei interpretată ca persoanele implicate în construcția fizică a unui film în afara participării distribuției, putând include regizori, montori de film, fotografi, macaragii, electricieni, decoratori de platou, recuzitieri și designeri de costume. O persoană poate face parte atât din distribuția, cât și din echipa tehnica a unui film, cum ar fi Woody Allen, care a regizat și a jucat în Luați banii și fugiți.

Un iubitor de film sau buff de film este o persoană căreia îi plac filmele sau le frecventează des și care poate, mai ales ultimul, să se considere un elev al filmelor și al procesului cinematografic. Interesul intens față de film, teoria filmului și critica de film este cunoscut sub numele de cinefilie. Un entuziast al filmului este cunoscut drept cinefil sau cineast.

Avanpremieră

Articol principal: Proiecție de test

Spectacolul de avanpremieră se referă la o proiecție a unui film pentru un public select, de obicei în scopuri de promovare corporativă, înainte de premiera publică a filmului. Avanpremierele sunt uneori folosite pentru a evalua reacția publicului, care, dacă este în mod neașteptat negativă, poate duce la reinterpretarea sau chiar refilmarea anumitor secțiuni pe baza reacției publicului. Un exemplu de film care a fost modificat după o reacție negativă la proiecția de test este First Blood din 1982. După ce publicul de test a reacționat foarte negativ la moartea protagonistului John Rambo, un veteran din Vietnam, la finalul filmului, compania a scris și a refilmat un nou final în care personajul supraviețuiește.

Trailer și teaser

Articol principal: Trailer de film

Trailerele sau avanpremierele sunt reclame la filmele care vor fi difuzate în 1 până la 3 luni în cinematografe. În primele zile ale cinematografiei, cu săli care aveau doar unul sau două ecrane, doar anumite trailere erau proiectate pentru filmele care urmau să fie prezentate acolo. Mai târziu, când sălile au adăugat mai multe ecrane sau au fost construite noi cinematografe cu multe ecrane, toate trailerele diferite erau proiectate chiar dacă nu urmau să difuzeze acel film în acea sală. Studiourile de film și-au dat seama că cu cât mai multe trailere sunt proiectate (chiar dacă nu urmau să fie difuzate în acea sală anume), cu atât mai mulți spectatori se vor duce la alt cinematograf pentru a vedea filmul la lansare. Termenul trailer provine din faptul că inițial erau proiectate la sfârșitul programului de film.

Această practică nu a durat mult, deoarece spectatorii tindeau să plece din sală după terminarea filmelor, dar denumirea a rămas. Trailerele sunt acum proiectate înainte de film (sau înainte de „filmul A" în programul dublu). Trailerele de film sunt obișnuite și pe DVD-uri și Blu-ray, precum și pe internet și pe dispozitivele mobile. Trailerele sunt create pentru a fi captivante și interesante pentru spectatori. Drept urmare, în era internetului, spectatorii caută adesea trailerele pentru a le urmări. Din cele zece miliarde de videoclipuri vizionate online anual în 2008, trailerele de film s-au clasat pe locul trei, după știri și videoclipurile create de utilizatori. Un teaser este o avanpremieră sau reclamă mult mai scurtă, care durează doar 10 până la 30 de secunde. Teaserele sunt folosite pentru a entuziasmul spectatorii în legătură cu un film care va apărea în următoarele șase până la douăsprezece luni. Teaserele pot fi produse chiar înainte ca producția filmului să fie finalizată.

Cultură

Mona Zaki, stea a filmului egiptean, ale cărei filme au influențat atât cultura egipteană, cât și cultura africană

Filmele sunt artefacte culturale create de culturi specifice, facilitând dialogul intercultural. Este considerată o formă importantă de artă care oferă divertisment și valoare istorică, documentând adesea vizual o perioadă de timp. Baza vizuală a mediului îi conferă o putere universală de comunicare, extinsă adesea prin utilizarea dublajului sau a subtitrărilor pentru a traduce dialogul în alte limbi. Simplul fapt de a vedea o locație într-un film este asociat cu un turism mai ridicat în acea locație, demonstrând cât de puternică poate fi natura sugestivă a mediului.

Educație și propagandă

Articole principale: Film educațional și Film de propagandă

Filmul este folosit pentru o gamă de scopuri, inclusiv educație și propagandă, datorită capacității sale de a facilita eficient dialogul intercultural. Când scopul este în primul rând educațional, un film este numit „film educațional". Exemple sunt înregistrările unor cursuri academice și experimente sau un film bazat pe un roman clasic. Filmul poate fi propagandă, în totalitate sau în parte, cum ar fi filmele realizate de Leni Riefenstahl în Germania nazistă, trailerele de film de război americane din timpul celui de-al Doilea Război Mondial sau filmele artistice realizate sub Stalin de Serghei Eisenstein. Ele pot fi, de asemenea, opere de protest politic, ca în filmele lui Andrzej Wajda sau, mai subtil, în filmele lui Andrei Tarkovski. Același film poate fi considerat educațional de unii și propagandă de alții, întrucât clasificarea unui film poate fi subiectivă.

Producție

Articol principal: Realizarea filmului

La baza sa, mijloacele de producere a unui film depind de conținutul pe care cineaștul dorește să îl prezinte și de aparatura pentru afișarea acestuia: zoetropul necesită doar o serie de imagini pe o bandă de hârtie. Producția cinematografică poate necesita, prin urmare, o singură persoană cu o cameră (sau chiar fără cameră, ca în filmul lui Stan Brakhage din 1963, Mothlight), sau mii de actori, figuranți și membri ai echipei pentru un epic cu actori reali, de lung metraj. Pașii necesari pentru aproape orice film se pot rezuma la concepție, planificare, execuție, revizuire și distribuție. Cu cât producția este mai elaborată, cu atât fiecare etapă devine mai importantă. Într-un ciclu de producție tipic al unui film de tip Hollywood, aceste etape principale sunt definite ca dezvoltare, pre-producție, producție, post-producție și distribuție.

Acest ciclu de producție durează de obicei trei ani. Primul an este dedicat dezvoltării. Al doilea an cuprinde pre-producția și producția. Al treilea an, post-producția și distribuția. Cu cât producția este mai mare, cu atât necesită mai multe resurse, iar finanțarea devine mai importantă; cele mai multe filme de lung metraj sunt opere artistice din perspectiva creatorilor (de exemplu, regizor, director de imagine, scenarist) și entități de afaceri cu scop lucrativ pentru companiile de producție.

Echipa tehnică

Articol principal: Echipa de film

O echipă de film este un grup de persoane angajate de o companie cinematografică, în faza de „producție" sau „fotografiere", cu scopul de a produce un film sau o imagine în mișcare. Echipa tehnică se distinge de distribuție, care sunt actorii ce apar în fața camerei sau furnizează voci pentru personajele din film. Echipa tehnică interacționează cu, dar se distinge și de personalul de producție, format din producători, manageri, reprezentanți ai companiei, asistenții lor și cei a căror responsabilitate principală se situează în fazele de pre-producție sau post-producție, cum ar fi scenaristii și montorii de film. Comunicarea între producție și echipa tehnică trece în general prin regizor și personalul său de asistenți. Echipele tehnice de dimensiuni medii și mari sunt în general împărțite în departamente cu ierarhii bine definite și standarde de interacțiune și cooperare între departamente. În afara actoriei, echipa tehnică se ocupă de tot în faza de fotografiere: recuzită și costume, filmare, sunet, electricitate (adică lumini), decoruri și efecte speciale de producție. Catering-ul (cunoscut în industria cinematografică sub numele de „craft services") nu este de obicei considerat parte a echipei tehnice.

Tehnologie

Vezi și: Tehnici cinematografice.

Pelicula de film este alcătuită dintr-o bază transparentă de celuloid, acetat sau poliester acoperită cu o emulsie ce conține substanțe chimice sensibile la lumină. Nitratul de celuloză a fost primul tip de bază de film folosit pentru a înregistra filme cinematografice, dar datorită inflamabilității sale a fost în cele din urmă înlocuit cu materiale mai sigure. Lățimile de stoc și formatul filmului pentru imaginile de pe rolă au o istorie bogată, deși cele mai multe filme comerciale de mari dimensiuni sunt în continuare filmate (și distribuite cinematografelor) pe pelicule de 35 mm.

Inițial, filmele cinematografice erau filmate și proiectate la viteze variate folosind camere și proiectoare acționate manual; deși 1000 de cadre pe minut (16 2/3 cadre/s) este în general citat ca viteză standard pentru filmul mut, cercetările indică faptul că cele mai multe filme erau filmate între 16 cadre/s și 23 cadre/s și proiectate de la 18 cadre/s în sus (adesea rolele includeau instrucțiuni despre cât de repede ar trebui prezentată fiecare scenă). Când filmul sonor sincronizat a fost introdus la sfârșitul anilor 1920, era necesară o viteză constantă pentru capul sonor. Au fost alese 24 de cadre pe secundă deoarece aceasta era viteza minimă (și astfel cea mai ieftină) care permitea o calitate sonoră suficientă. Standardul a fost stabilit de Warner Bros. cu The Jazz Singer și sistemul lor Vitaphone în 1927. Îmbunătățirile de la sfârșitul secolului al XIX-lea includ mecanizarea camerelor — permițându-le să înregistreze la o viteză constantă, proiectarea camerelor silențioase — permițând ca sunetul înregistrat pe platou să fie utilizabil fără a necesita „blimp"-uri mari pentru a înconjura camera, inventarea unor pelicule și lentile mai sofisticate, permițând regizorilor să filmeze în condiții din ce în ce mai puțin luminate, și dezvoltarea sunetului sincronizat, permițând înregistrarea sunetului la exact aceeași viteză ca acțiunea corespunzătoare. Coloana sonoră poate fi înregistrată separat de filmarea peliculei, dar pentru producțiile cu actori reali, multe părți ale coloanei sonore sunt de obicei înregistrate simultan.

Ca mediu, filmul nu se limitează la imaginile în mișcare, deoarece tehnologia a fost dezvoltată ca bază pentru fotografie. Poate fi folosit pentru a prezenta o secvență progresivă de imagini statice sub forma unui diaporama. Filmul a fost, de asemenea, incorporat în prezentări multimedia și are adesea importanță ca documentație istorică primară. Cu toate acestea, filmele istorice prezintă probleme de conservare și stocare, iar industria cinematografică explorează multe alternative. Cele mai multe filme pe bază de nitrat de celuloză au fost copiate pe pelicule de siguranță moderne. Unele studiouri salvează filmele color prin utilizarea separation master-elor: trei negative alb-negru, fiecare expuse prin filtre roșu, verde sau albastru (esențialmente inversul procesului Technicolor). Metodele digitale au fost folosite și pentru restaurarea filmelor, deși ciclul lor continuu de obsolescență le face (începând din 2006) o alegere slabă pentru conservarea pe termen lung. Conservarea peliculelor în descompunere este o problemă ce preocupă atât istoricii și arhiviștii cinematografici, cât și companiile interesate să-și păstreze produsele existente pentru a le pune la dispoziția generațiilor viitoare (și prin urmare, pentru a crește veniturile). Conservarea este în general o preocupare mai mare pentru filmele pe nitrat și cele color pe o singură bandă, din cauza ratelor lor mari de degradare; filmele alb-negru pe baze de siguranță și filmele color conservate pe copii Technicolor prin imbibație tind să se păstreze mult mai bine, cu condiția unei manipulări și depozitări adecvate.

Unele filme din ultimele decenii au fost înregistrate folosind tehnologia video analogică similară cu cea utilizată în producția de televiziune. Camerele video digitale moderne și proiectoarele digitale câștigă tot mai mult teren. Aceste abordări sunt preferate de unii cineaști, în special deoarece imaginile filmate cu cinema digital pot fi evaluate și editate cu sisteme de editare non-liniară (NLE) fără a aștepta procesarea peliculei de film. Migrația a fost treptată, iar în 2005, cele mai multe filme cinematografice importante erau în continuare filmate pe peliculă.

Independent

Articol principal: Film independent

Frații Lumière, care s-au numărat printre primii cineaști

Realizarea filmelor independente are loc adesea în afara Hollywood-ului sau a altor mari sisteme de studio. Un film independent (sau film indie) este un film produs inițial fără finanțare sau distribuție din partea unui mare studio de film. Motive creative, de afaceri și tehnologice au contribuit la creșterea scenei filmului indie la sfârșitul secolului al XX-lea și la începutul secolului al XXI-lea. Pe latura de afaceri, costurile filmelor de studio cu bugete mari conduc, de asemenea, la alegeri conservatoare în ceea ce privește distribuția și echipa. Există o tendință la Hollywood de co-finanțare (mai mult de două treimi din filmele lansate de Warner Bros. în 2000 erau joint ventures, față de 10% în 1987). Un regizor aspirant nu are aproape niciodată ocazia să obțină un loc de muncă pe un film de studio cu buget mare fără experiență semnificativă în industria de film sau televiziune. De asemenea, studiourile rareori produc filme cu actori necunoscuți, în special în roluri principale.

Înainte de apariția alternativelor digitale, costul echipamentelor și al peliculei de film profesionale reprezenta, de asemenea, un obstacol în calea posibilității de a produce, regiza sau juca într-un film de studio tradițional. Dar apariția camerelor video de consum în 1985 și, mai important, sosirea video-ului digital de înaltă rezoluție la începutul anilor 1990 au scăzut semnificativ bariera tehnologică pentru producția de film. Atât costurile de producție, cât și cele de post-producție au scăzut semnificativ; în anii 2000, hardware-ul și software-ul pentru post-producție pot fi instalate pe un computer personal de nivel comercial. Tehnologii precum DVD-urile, conexiunile FireWire și o gamă largă de software de editare video profesionale și de consum fac realizarea filmelor relativ accesibilă.

De la introducerea tehnologiei video digitale DV, mijloacele de producție s-au democratizat. Cineaștii pot filma un film cu o cameră video digitală și pot edita filmul, crea și edita sunetul și muzica și mixa versiunea finală pe un computer de acasă performant. Cu toate acestea, deși mijloacele de producție se pot democratiza, finanțarea, distribuția și marketingul rămân dificil de realizat în afara sistemului tradițional. Cei mai mulți cineaști independenți se bazează pe festivaluri de film pentru ca filmele lor să fie remarcate și vândute pentru distribuție. Apariția site-urilor video pe internet, cum ar fi YouTube și Veoh, a schimbat și mai mult peisajul realizării filmelor, permițând cineaștilor independenți să-și facă filmele disponibile publicului.

Film cu conținut deschis

Articol principal: Film cu conținut deschis

Un film cu conținut deschis seamănă mult cu un film independent, dar este produs prin colaborări deschise; materialul său sursă este disponibil sub o licență suficient de permisivă pentru a permite altor părți să creeze fan fiction sau opere derivate, spre deosebire de un copyright tradițional. Ca și realizarea filmelor independente, realizarea filmelor open source are loc în afara Hollywood-ului și a altor mari sisteme de studio.

Film de fani

Articol principal: Film de fani

Un film de fani este un film sau video inspirat de un film, program de televiziune, carte de benzi desenate sau o sursă similară, creat de fani și nu de deținătorii drepturilor de autor sau de creatorii sursei. Realizatorii de filme de fani au fost în mod tradițional amatori, dar unele dintre cele mai notabile filme au fost produse de cineaști profesioniști ca proiecte de clasă la școli de film sau ca role de demonstrație. Filmele de fani variază enorm ca lungime, de la scurte faux-teasere pentru filme inexistente până la mai rarele filme de lung metraj.

Distribuție

Articole principale: Distribuția filmului și Lansarea filmului

Distribuția filmului este procesul prin care un film este pus la dispoziția audienței pentru vizionare. Aceasta este în mod normal sarcina unui distribuitor de film profesionist, care ar stabili strategia de marketing a filmului, mediile prin care un film urmează să fie prezentat sau pus la dispoziție pentru vizionare, și poate stabili data lansării și alte aspecte. Filmul poate fi prezentat direct publicului fie printr-un cinematograf (din punct de vedere istoric, principala modalitate de distribuire a filmelor), fie la televiziune pentru vizionare personală acasă (inclusiv pe DVD-Video sau Blu-ray Disc, video la cerere, descărcare online, programe de televiziune prin sindicalizare în radiodifuziune etc.). Alte modalități de distribuire a unui film includ închirierea sau achiziționarea personală a filmului într-o varietate de medii și formate, cum ar fi caseta VHS sau DVD, sau descărcarea sau streaming-ul pe internet folosind un computer.

Animație

Articol principal: Animație

O imagine animată a unui cal, realizată din opt fotografii

Animația este o tehnică în care fiecare cadru al unui film este produs individual, fie generat ca un grafic de calculator, fie prin fotografierea unei imagini desenate, fie prin efectuarea repetată de mici modificări la o unitate model (a se vedea claymation și stop motion), și apoi fotografierea rezultatului cu o cameră de animație specială. Când cadrele sunt înșiruite împreună și filmul rezultat este vizionat la o viteză de 16 sau mai multe cadre pe secundă, se creează iluzia mișcării continue (datorită fenomenului phi). Generarea unui astfel de film este foarte laborioasă și obositoare, deși dezvoltarea animației pe calculator a accelerat considerabil procesul. Deoarece animația necesită mult timp și este adesea foarte costisitoare de produs, cea mai mare parte a animației pentru TV și film vine de la studiouri de animație profesionale. Cu toate acestea, domeniul animației independente există cel puțin din anii 1950, animația fiind produsă de studiouri independente (și uneori de o singură persoană). Mai mulți producători de animație independenți au ajuns să intre în industria animației profesionale.

Animația limitată este o modalitate de a crește producția și de a reduce costurile animației prin utilizarea de „scurtături" în procesul de animație. Această metodă a fost pionierată de UPA și popularizată de Hanna-Barbera în Statele Unite și de Osamu Tezuka în Japonia, și adoptată de alte studiouri pe măsură ce desenele animate s-au mutat de la cinematografe la televiziune. Deși cele mai multe studiouri de animație utilizează acum tehnologii digitale în producțiile lor, există un stil specific de animație care depinde de peliculă. Animația fără cameră, celebrizată de cineaști precum Norman McLaren, Len Lye și Stan Brakhage, este pictată și desenată direct pe bucăți de peliculă, care sunt apoi rulate printr-un proiector.

Vezi și

• Docuficțiune (gen hibrid)
• Cinefil
• Liste
  • Bibliografie a filmului pe gen
  • Glosar de termeni cinematografici
  • Index de articole legate de video
  • Lista premiilor de film
  • Lista festivalurilor de film
  • Lista periodicelor de film
  • Lista anilor în film
  • Liste de filme
  • Lista cărților despre film
  • Schiță a filmului
• Film pierdut
• The Movies, un joc de simulare despre industria cinematografică, care se petrece la zorii cinematografiei
• Platforme
  • Film de televiziune
  • Film web

Bibliografie

• Acker, Ally (1991). Reel Women: Pioneers of the Cinema, 1896 to the Present. New York: Continuum. ISBN 0-8264-0499-5. 
• Basten, Fred E. (1980). Glorious Technicolor: The Movies' Magic Rainbow. Cranbury, NJ: AS Barnes & Company. ISBN 0-498-02317-6. 
• Basten, Fred E. (writer); Peter Jones (director and writer); Angela Lansbury (narrator) (1998). Glorious Technicolor. Turner Classic Movies. https://imdb.com/title/tt0274530/. 
• Casetti, Francesco (1999). Theories of Cinema, 1945–1995. Austin, TX: University of Texas Press. ISBN 0-292-71207-3. 
• Cook, Pam (2007). The Cinema Book (ed. 3rd). London: British Film Institute. ISBN 978-1-84457-193-2. 
• Faber, Liz; Walters, Helen (2003). Animation Unlimited: Innovative Short Films Since 1940. London: Laurence King, in association with Harper Design International. ISBN 1-85669-346-5. 
• Hagener, Malte; Töteberg, Michael (2002). Film: An International Bibliography. Stuttgart: Metzler. ISBN 3-476-01523-8. 
• Hill, John; Gibson, Pamela Church (1998). The Oxford Guide to Film Studies. Oxford; New York: Oxford University Press. ISBN 0-19-871124-7. 
• King, Geoff (2002). New Hollywood Cinema: An Introduction. New York: Columbia University Press. ISBN 0-231-12759-6. 
• Ledoux, Trish; Ranney, Doug; Patten, Fred (1997). Complete Anime Guide: Japanese Animation Film Directory and Resource Guide. Issaquah, WA: Tiger Mountain Press. ISBN 0-9649542-5-7. 
• Merritt, Greg (2000). Celluloid Mavericks: A History of American Independent Film. New York: Thunder's Mouth Press. ISBN 1-56025-232-4. 
• Nowell-Smith, Geoffrey (1999). The Oxford History of World Cinema. Oxford; New York: Oxford University Press. ISBN 0-19-874242-8. 
• Rocchio, Vincent F. (2000). Reel Racism: Confronting Hollywood's Construction of Afro-American Culture. Boulder, CO: Westview Press. ISBN 0-8133-6710-7. 
• Schrader, Paul (1972). „notes on film noir”. Film Comment. 8 (1): 8–13. JSTOR 43752885. 
• Schultz, John (writer and director); James Earl Jones (narrator) (1995). The Making of 'Jurassic Park'. Amblin Entertainment. https://imdb.com/title/tt0256908/. 
• Thackway, Melissa (2003). Africa Shoots Back: Alternative Perspectives in Sub-Saharan Francophone African Film. Bloomington: Indiana University Press. ISBN 0-85255-576-8. 
• Vogel, Amos (1974). Film as a Subversive Art. New York: Random House. ISBN 0-394-49078-9. 

Lectură suplimentară

Resurse bibliotecare
Despre Film
Cărți online Resurse în biblioteca ta Resurse în alte biblioteci

• Burton, Gideon O., și Randy Astle, eds. (2007). „Mormons and Film", număr special integral, B.Y.U. Studies (Brigham Young University), vol. 46 (2007), nr. 2. 336 p, il. ISSN 0007-0106.
• Hickenlooper, George (1991). Reel [sic] Conversations: Candid Interviews with Film's Foremost Directors and Critics, în seria Citadel Press Book[s]. New York: Carol Publishing Group. xii, 370 p. ISBN: 0-8065-1237-7.
• Thomson, David (2002). The New Biographical Dictionary of Film (ed. 4th). New York: A.A. Knopf. ISBN 0-375-41128-3. 
• Jeffrey Zacks (2014). Flicker: Your Brain on Movies. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-998287-5. 

Legături externe

• Allmovie — Informații despre filme: actori, regizori, biografii, recenzii, distribuție și credite de producție, încasări box office și alte date cinematografice.
• Film Site — Recenzii ale filmelor clasice
• Rottentomatoes.com — Recenzii de film, avanpremiere, forumuri, fotografii, informații despre distribuție și altele.
• IMDb: Internet Movie Database — Informații despre filmele actuale și istorice și liste de distribuție (arhivat la 22 ianuarie 1997)

Bibliografie

• Momente din trecutul filmului românesc, Ion Cantacuzino, 1965.
• Istoria cinematografului, Georges Sadoul, 1965.
• Cum se face un film, Ioan Lazăr, 1986

Lectură suplimentară

• Dicționar universal de filme, ediția a III-a, Tudor Caranfil, Editura Litera, 2008
• Istoria cinematografiei în capodopere. Vârstele peliculei (5 vol., 2009-2012), Tudor Caranfil, Editura Polirom.
• Gorzo, Andrei, and Mihai Iovănel. Desene mișcătoare: Dialoguri despre critică și cinema [Moving Pictures: Dialogues on Criticism and Cinema]. Bucharest, Editura Polirom, 2023.
• Gorzo, Andrei, and Veronica Lazăr. Beyond the New Romanian Cinema: Romanian Culture, History, and the Films of Radu Jude. Sibiu, Editura Universității „Lucian Blaga” din Sibiu, 2023.
• Gorzo, Andrei. Lucruri care nu pot fi spuse altfel: Un mod de a gîndi cinemaul, de la André Bazin la Cristi Puiu [Things that Cannot be Told Differently: A Mode of Thinking Cinema From Andre Bazin to Cristi Puiu]. Bucharest, Editura Humanitas, 2012.
• Gorzo, Andrei. Viața, moartea, și iar viața criticii de film [The Life, the Deathe, and Again the Life of Film Criticism]. Bucharest, Editura Polirom, 2019.

Legături externe

• ro / en The Internet Movie Database: http://imdb.com/ (bază de date de film pe Internet)